“Andra gitarrister än Charlie Christian rankas inte lika högt inom jazz som hornspelare eller pianister”, sa musikern Duck Baker som svar på en informell undersökning av våra bidragsgivare. Rene Thomas är underskattad, men inte lika mycket som Hasaan Bin Ibn, Fats Navarro eller Bill Barron.
Gitarren är jazzens missanpassade instrument. Vissa ogillar gitarrens tunna, mjuka ton, särskilt i orolig hård bop. Andra tycker att gitarren är för rockorienterad för jazz. Andra tycker att gitarrackord är dåliga harmoniska ersättningar för ett pianos mångsidighet. Alla plåtöra som tror att dessa saker borde sälja sina skivor och stirra på en vägg. Gitarren är mångsidig.
Några av jazzens mest unika gitarrister har marginaliserats av instrumentets långsamma popularitet. Vår lista med 10 förbisedda gitarrister sträcker sig från Grant Greens soulblues till Sonny Sharrocks avantrock till Oscar Alemáns zigenarfärgade swing. Dessa är inte fullständiga profiler; de är snabba introduktioner till några av de bästa gitarristerna du kanske inte känner.
Grant Green
Grant Green var en disciplinerad, uppfinningsrik solist. Hans enradiga fraser och staccato-toner var rytmiskt fantastiska. Greens jordnära melodier var skarpa och flödande, och hans röster var utmärkta. Green fick framträdande plats genom soul-jazz och orgel-combo-sessioner, men han avvisade hastighet för subtil harmonisk lyhördhet, funky rytmisk fingerfärdighet och knäpp melodisk tolkning.
Green använde flera gitarrer för att producera sitt mörkblå ljud. Tidigt föredrog han en Gibson ES-330 med P-90 pickuper. Senare valde han en Gibson L-7 med en McCarty pickup/pickup. Epiphone Emperor och D’Aquisto New Yorker användes också.
Grant Green föddes den 6 juni 1935, inte 1931, som hans svärdotter Sharony Andrews Green visade i sin bok (Miller Freeman). Vid 13 började Green spela boogie-woogie. Altsaxofonisten Lou Donaldson såg Green spela på en pub i St. Louis och anlitade honom på en turné. Donaldson introducerade Green för Alfred Lion, som han bildade en livslång professionell och personlig vänskap med.
Greens karriär kantades av personliga problem, inklusive en drogvana. Green gjorde mer än 30 album som ledare; många är fantastiska, många är instabila. Narkotikaproblem fick honom att ta två år ledigt, 1967 till 1969. Han spelade in sina bästa album för Blue Note i början och mitten av 1960-talet, särskilt 1961:s Grantstand, med Yusef Lateef, Brother Jack McDuff och Al Harewood. Born to Be Blue (1961), Idle Moments (1963), The Latin Bit (1962) och Feelin’ the Spirit skiner också (1962). Live at the Lighthouse är en Blue Note-skatt (1972).
Hiphopgenerationen minns Green från Green Is Beautiful (1970) och The Final Comedown (1972), ljudspår från Billy Dee Williams blaxploitation-film. Iron City, ett triodatum för Muse från 1967, är hans bästa icke-Blue Note-inspelning, medan His Majesty, King Funk (Verve, 1965) visar Greens kärlek till soul, funk och pop.
Green fick en hjärtattack den 31 januari 1979. Han spelade på George Bensons Breezin’ Lounge Sex barn överlever Green, som är begravd i St. Louis. Grant Green Jr. behåller sin fars enradiga strategi.
Jimmy Raney
Jimmy Raney skilde sig från andra bebop-jazzgitarrister på 1940- och 50-talen. Han var en stor kompositör och spelare som ville spela dynamisk musik. Raney spelade jazz med sin förstärkare nedslagen.
Jim Hall jämförde Raney med Charlie Parker och Béla Bartók. Raney favoriserade inte bops staccato-riff och blixtsnabba toner. Raney framförde utökade, legato melodiska linjer som ignorerade takter, vred och vände, och ofta avslutade oväntat.
Louisville, Ky-född Raney. Hans mamma spelade gitarr och lärde Jimmy några ackord. Raney fick klassiska lektioner och hade sitt första jobb vid 13. Raney arbetade mycket i Louisville under andra världskriget eftersom de flesta äldre spelare var draftade, även om han till stor del spelade hillbilly och pop. Raney svimmade nästan när en lärare presenterade honom för Charlie Christian.
Raneys lärare föreslog honom till bandledaren Jerry Wald, och han flyttade till New York. Walds pianist Al Haig introducerade Raney för Parker, Gillespie och Tatum.
Raney gick med i Woody Herman’s Second Herd efter att ha återvänt till Louisville. Han lämnade efter ett år eftersom han avskydde den ständiga turnén och bristen på solo. I bandet träffade han saxofonisten Stan Getz, som satte Raney i främsta ledet.
Stan Getz-kvintetten inspelad på Bostons Storyville-klubb i oktober 1951. De kompletta inspelningarna av Stan Getz-kvintetten med Jimmy Raney inkluderar två Raney-kompositioner, “Signal” och “Parker 51”. När skivorna kom ut kände många att de var jättebra. Vissa gör. Raneys unika teknik definierade gruppens sound.
Raney gick med i Red Norvos trio 1954 efter att Tal Farlow avgick; han hörs på Red Norvo, Jimmy Raney, Red Mitchell (Fantasy/OJC). Han ledde sina egna sessioner – kolla in A (Prestige/OJC, 1955) – men hans jazzkarriär avtog gradvis. Raney spelade på studiosessioner, ljudspår och Broadway-pitband, men uppgiften gjorde honom upprörd och han övergick till alkohol. Raney återvände till Louisville 1964 och stannade där till början av 1970-talet. Han spelade Newport 1971 och New York nästa år. 1974: Han och Haig spelade Carnegie Hall.
Raney släppte The Influence (Xanadu, 1975), Stolen Moments and Duets (alla Steeplechase, 1979), Wisteria (1986) och But Beautiful (1990). (1990; båda Criss Cross).
Raney spelade trots att han hade Méniéres sjukdom, som påverkar balans och hörsel, i 30 år. Tillståndet spred sig till båda öronen, vilket gjorde honom nästan tondöv. Han spelade briljant. Hall såg Raney nära slutet av sitt liv i Louisville. Raney sa att han bara kunde höra takterna. Hall sa att Jimmy Raney alltid spelade bra.
Freddie Green
Freddie Green solo sällan eller sällan, enligt uppgifter. Han var den bästa rytmgitarristen.
Att först se greve Basie var chockerande. 1964, 1965. Rytmgruppen spelade blueskörer, och publiken slappnade av. Hornspelarna slog sedan en enda fortissimo-ton. När de sänkte hornen fortsatte rytmsektionen att spela glatt. Förmodligen “Splanky”.
Basie, Green, Sonny Payne och en icke namngiven basist utgjorde rytmsektionen. Kanske Buddy Catlett. Green hade varit med i bandet i mer än 25 år. Efter det såg jag bandet några gånger och blev alltid förvånad över Greens gitarr. Gitarren kändes mer än hörd, så “klippa” kanske inte är det lämpliga ordet. Det oljade området mellan trummor och bas.
Green spelade först banjo. John Hammond introducerade honom för Basie 1937, och bildade pianistens “All-American” rytmgrupp med Green, Walter Page och Jo Jones. Green dog 1987, tre år efter Basie. The Complete Decca Recordings av GRP innehåller Count Basie, Lester Young, Jimmy Rushing, Buck Clayton och Harry Edison. Välsigna dem.
Greens kompstil bestod av tretoners ackord, sångledning och ett “choo-chit-choo-chit”-ljud (inte “chunk-chunk-chunk-chunk”) med fyra taktslag till takten.
Natural Rhythm (RCA Victor, 1955) och Mr. Rhythm (Koch/RCA Victor, 1956) är gitarristens enda soloalbum. Första gången! Greven möter hertigen (Columbia), 1961, och Sinatra-Basie (Reprise), 1962. “Until I Met You” (aka “Corner Pocket”). Greens gitarr skär alltid.
René Thomas
Rene Thomas var bland de första europeiska modernisterna som lyckades inom amerikansk jazz. Thomas gick med i en belgisk migration till Paris i slutet av 1940-talet och början av 1950-talet som inkluderade Francy Boland och Bobby Jaspar. Thomas parisiska vänskap med Jimmy Gourley visade honom Jimmy Raneys idéer. Thomas sa till den franske kritikern Alain Tercinet: “I början av 1950-talet, för att prestera bra i Paris, var du tvungen att spela som Jimmy Raney eller Stan Getz” Thomas följde efter, men utvecklade snart sin egen metod baserad på vågade harmoniska förändringar som behöll en distinkt melodisk linje. En del av 50-volymen Jazz in Paris-serien, Thomas The Real Cat (Gitanes/French Universal) visar hur den redan tilltalande gitarristen utvecklades mellan 1954 och 1956, med de senare sessionerna som uppvisade frasering och harmonisk sofistikering i paritet med sina amerikanska motsvarigheter.
Gitarristen flyttade först till Nordamerika 1956 för att arbeta med Jaspar, hans närmaste parisiska följeslagare. Thomas spelade med Miles Davis och Sonny Rollins i New York. Rollins använde Thomas på Brass Trio (Verve, 1958).
Thomas bosatte sig i Montreal, men han behöll en närvaro i New York för att landa Guitar Groove (Jazzland/OJC, 1960). Thomas hård-bop-linjer beror på hans användning av Gibson ES-150, samma gitarrtyp som Charlie Christian använde, men hans röst var nu helt klart hans egen, även när han tacklade “Ruby, My Dear.” Thomas var en av de första gitarristledarna som spelade in en icke-“Round Midnight” Monk-låt.
Thomas, Jaspar och Daniel Humairs musikaliska mognad 1962 gjorde att de kunde övertyga Chet Baker att spela hårdare än vanligt. Thomas lyser på Rollins “Pent-Up House” på en av hans bästa inspelningar, The Italian Sessions (RCA Victor, 1962).
Thomas återvände till Europa efter Jaspars död 1963. Han arbetade med Lou Bennett, Eddy Louiss och Getz. Thomas diskografi inkluderar två spår från 1965 på Lee Konitzs From Newport to Nice (Philology), med Misha Mengelberg och Han Bennink. Att höra Thomas i dubbelspel på “All The Things You Are”, driven på av Bennink, är att förstå varför gitarristen är så uppskattad på båda sidor om dammen och varför hans död 1975 var för tidigt.
Bill DeArango
Bill DeArango, utan tvekan den bästa bop-gitarristen, fortsatte att förbättras efter att ha lämnat New York. Han är en modig, skicklig musiker.
DeArango började sin karriär med Dixieland-ensembler i Cleveland. Gitarristen var imponerad av 1930-talets tungviktare som Art Tatum, Django Reinhardt, Charlie Christian, Lester Young och Roy Eldridge, och en sammansmältning av deras inspirationer hjälpte honom att etablera sin nästan helt odlade bopliknande stil innan han hörde talas om Charlie Parker eller Dizzy Gillespie.
Ben Webster anställde DeArango efter att ha hört honom spela på Three Deuces med Don Byas. DeArango spelade in med Webster, Ike Quebec, Eddie “Lockjaw” Davis, Slam Stewart, Trummy Young, Charlie Ventura, Charlie Kennedy, Sarah Vaughan och Gillespie mellan 1945 och 1947.
DeArangos stil imponerade mitten av 1940-talets lyssnare. Ingen jazzgitarrist kunde matcha hans färdigheter förutom Reinhardt. Han hade en unik stil. På Dizzy Gillespies The Complete RCA Victor Recordings (RCA/Victor) spelar han “52nd Street Theme” briljant.
1948 lämnade DeArango New York för Cleveland. Han har spelat in lite sedan dess. 1954 spelade han in 10-tums Emarcy LP DeArango. På 1960- och 1970-talen drev han en musikaffär och höll på med jazz och rock. DeArango lade till rock och free jazz till sitt sound.
På 1980-talet spelade han på Kenny Werners 298 Bridge Street och Jamey Haddads Names (Ananda, 1983). Joe Lovano, en Clevelander och ivrig DeArango-fan, medverkar på båda albumen. Han spelar också på DeArangos 1993 CD Anything Went (GM), som innehåller fria urval och standarder som improvisatörer tar sig friheter på. Anything Wents oktavpedalljud är oroande.
Om DeArango hade stannat i New York och spelat in skulle han vara en av de bästa jazzgitarristerna genom tiderna, vilket han är.
Attila Zoller
Attila Zoller, liksom Béla Bartók, blandade in folkmelodier i sitt moderna verk.
I sin ungdom var Zoller gymnast och kom nästan med i det ungerska olympiska simlaget. Efter att ha lärt sig fiol och trumpet lärde Zoller sig själv gitarr eftersom det fanns för många trumpetare i Budapest. Zollers vän och medarbetare Don Friedman säger att gitarristen först stämde instrumentet på ett felaktigt sätt. Zoller var tvungen att lära sig om allt han hade lärt sig efter att ha hittat den perfekta stämningen.
I mitten till slutet av 1960-talet ledde Zoller en kvartett tillsammans med Friedman. Zollers intresse för unika melodier från sina ungerska rötter hjälper till att göra gruppen tillgänglig. Gitarristen spelade ett horn eller zigenarfiol, enligt Friedman. Ensemblen blandade komposition och spontan improvisation på Friedman’s Dreams and Explorations (1964) och Metamorphosis (1966).
Friedman tror att Zoller ritade melodier och kontrapunktslinjer men inga harmoni- eller ackordförändringar. Gitarristen skulle titulera teckningar som “Blizzard” för att inspirera till improvisationer. Många spelare, som Pat Metheny, har berättat för Friedman hur mycket gruppens skivor inspirerade dem.
Zoller tänjde på sitt instruments uttrycksfulla och tekniska gränser. 1971 patenterade han en dubbelriktad gitarr/bas pickup. Han designade bassträngar för LaBella och en vibraharp-pickup för J.C. Deagan. Zoller spelade in album medan han uppfann och undervisade, inklusive Memories of Pannonia (1986) och When It’s Time (1995).
Stor och imponerande, han var också rolig när han gick i baren på NYC:s gamla Half Note på händerna. Zoller var också intresserad av musik. 1972 åkte han till Vermont och öppnade ett jazzläger som han själv renoverade. Ekonomiska problem fick honom att sälja en del av sin egendom, och han tillbringade sina sista år i en kåk på den mark han fortfarande ägde. Hans Vermont Jazz Center är ett arv idag.
Oscar Alemán
Oscar Alemán var den starkaste förelektriska solisten efter Reinhardt. Alemán, en svart argentinare från en fattig familj, reste till Frankrike 1931 och imponerade på flera amerikanska spelare i 1930-talets Paris. Alemán lever i Djangos skugga för evigt. Ingen av anledningarna har att göra med att Alemán var en imitator eller elev av Reinhardt, även om han som ledare härmade Djangos kvintett framgångsrikt.
Alemán använde en gitarr i resonatorstil med metallkropp, en modell som uppskattades av bluesmän för volym och, enligt Delta-sångaren-gitarristen Son House, för självförsvar i väghusbråk. Alemán hade inget behov av att använda en klubba när han stödde Josephine Baker för kultiverade parisare med kärlek, inte krig, i sinnet. Duke Ellington ville anställa Alemán, men Baker sa nej, vilket skadade jazzen.
Den nazistiska ockupationen drev Alemán tillbaka till Argentina, men han hade redan skapat några magnifika sidor, bland annat två med Svend Asmussen på fiol. Alemáns lågregistrerade gitarrljud skär djupare än Djangos, drivande solon som är modeller för spänning och släpp, och hans fraser mellan takten svänger så hårt att det måste höras för att bli troende.
Alemán använde hot-club-formatet i Argentina under hela 1940-talet innan han gick vidare till andra former. Hans bästa verk återupplivades på två TOM-LP-skivor på 70-talet, och Acoustic Disc släppte nyligen Swing Guitar Masterpieces: 1938-1957.
Det finns inte mycket jazzorienterade Alemán på skiva, men det finns tillräckligt för att rättfärdiga hans status som Djangos jämlika.
Sonny Sharrock
Sonny Sharrock var en frimusikälskande gitarrist. Han såg instrumentet som en saxofon och ett slagvapen. Sharrock, en före detta doo-wop-sångare, bjöd på kraftfulla riff, whiplash-fraser och sprakande bakgrund.
Sharrock var självlärd, men han studerade kort gitarrkomposition vid Berklee 1961. Hans första anmärkningsvärda samarbeten var med saxofonisterna Byard Lancaster och Pharoah Sanders 1966-’67. Sharrock spelade på Miles Davis Jack Johnson-session innan han gick med i Herbie Mann. Sharrock överraskade ofta Manns fans genom att spela en annan stil än flöjtisten David “Fathead” Newman och Roy Ayers. Sharrock bidrog med solon till många av Manns Atlantic-inspelningar, inklusive Memphis Underground och Live at the Whiskey A Go-Go (1968).
Sharrocks distinkta stil begränsade hans inspelningsmöjligheter som ledare till små indiebolag med begränsad cirkulation. Sharrock hade inte många möjligheter på 70-talet, men han gjorde comeback på 80-talet med Bill Laswells Material och Last Exit. Sharrocks fragmenterade spel speglades av Brötzmanns rasande saxofonsolo. Sharrock spelade senare in Ask the Ages med Elvin Jones och Charnett Moffett (Axiom, 1991). Sharrocks album Black Woman (Vortex) från 1969, inspelat med hans fru Linda och producerat av Herbie Mann, återutgavs nyligen som Black Woman/Freedom Sounds (Collectables). Sharrocks soloalbum Guitar (Enemy) från 1986 har taggiga, virvlande och kraftfulla gitarrsolon. Seize the Rainbow (Enemy, 1987) har skiftande, dynamiska musikaliska situationer. Highlife (1990) är Sharrocks album närmast traditionell rock, medan Faith Moves (1989) är en underbar, pastoral duettskiva med gitarristen Nicky Skopelitis. Sharrocks sista CD är en Space Ghost Coast to Coast-soundtrack-EP.
Sharrock dog av en hjärtattack vid 53 års ålder när han tränade i sitt hem i New York 1994.
Sharrock är möjligen den minst kopierade stora jazzspelaren i modern historia.
George Barnes
George Barnes var en gruff, rejäl gitarrist från swingtiden som etablerade sin egen melodiskt glada stil när alla andra var fokuserade på Charlie Christians rytmiska tillvägagångssätt. Han spelade elgitarr sex år före Christian.
1931 byggde Barnes äldre bror, ett elektroniskt underbarn, en pickup och förstärkare till honom innan de fanns tillgängliga. Han gjorde detta för att han visste att jag behövde bandspelbara solon. Året därpå dök den första elgitarren upp. Eddie Durham spelade elgitarr för Bennie Moten 1932 och Count Basie 1937. Floyd Smith spelade in “Floyd’s Guitar Blues” med Andy Kirks band 1939. Charlie Christian började spela elgitarr 1937 medan han ledde sin egen grupp i Oklahoma City, två år. innan han spelade in sina första historiska sidor med Benny Goodman Orchestra.
Barnes började sin inspelningskarriär med Big Bill Broonzy och Blind John Davis. Barnes blev personalmusiker vid Chicagos NBC-studios 1938 efter att ha turnerat i mellanvästern på 1930-talet. Efter armén var han Decca studiomusiker fram till 50-talet. 1962 skapade han en duo med gitarrpionjären Carl Kress, som ackompanjerade Barnes bluesiga enkeltonslinjer. Två gitarrer och ett horn, med Bud Freeman, släpptes 1962 på Stash-etiketten.
Barnes och Pizzarelli arbetade tillsammans efter Kress död 1965 fram till början av 1970-talet. Guitars: Pure and Honest (A&R, 1971) med Barnes och Pizzarelli. Andra anmärkningsvärda musikaliska följeslagare under Barnes senare år inkluderade trumpetaren Ruby Braff och violinisten Joe Venuti, Eddie Langs partner, vars sprudlande ton matchade Barnes; den inspirerade duon kan höras på 1976 års Venuti-Barnes Live (på Concord Summer Festival) (Concord).
Lenny Breau
Lenny Breau var en delikat, mjukt talande, mystisk man med enastående gitarrtalang. Breaus kalejdoskop tillvägagångssätt inkluderade countryfingerpicking, klassiskt och flamencoklimpande, flödande bop-orienterade enkeltonslinjer och frodiga Bill Evans-liknande ackordstämmor. I en intervju med Guitar Player 1974 sa Breau: “Jag närmar mig gitarren som ett piano musikaliskt, men inte tekniskt.” Två saker händer alltid. Jag försöker få så många nyanser, nyanser och omfång som möjligt.
Även om han var undervärderad, vann Breau respekt från Chet Atkins, George Benson, Pat Metheny och Larry Carlton. Breau, precis som Joe Pass före honom, kunde komponera ackord och improvisera entonsmelodier, vilket skapade en illusion av två gitarrer. Hans användning av falska övertoner har påverkat gitarrister som Larry Coryell, Bireli Lagrene, Vic Juris och Philip DeGruy. Breaus önskan att utöka sitt instruments räckvidd fick honom att använda en 7-strängad gitarr med högt A (mot George Van Eps låga A för djupare baslinjer), vilket gjorde att han kunde sväva in i det högre registret.
Som tonåring spelade Breau gitarr i sina föräldrars countrymusikensemble. Atkins hjälpte Breau att få ett skivkontrakt från 1968 med RCA. Breaus anmärkningsvärda, oöverträffade mix av musikstilar gjorde honom oklassificerbar. Breaus heroinberoende och ambulerande livsstil hindrade hans karriär, som slutade 1984 när hans kropp återfanns i en pool i Los Angeles.
